Las múltiples visiones de 70 años de cine americano

• Llega el II tomo de la Historia mundial del cine de Gian Piero Brunetta
• El séptimo vicio presenta hoy el libro en la Cineteca del Matadero de Madrid

 

El II tomo de la Historia Universal del cine se centra en el cine estadounidense desde la II Guerra Mundial a a la actualidad.

Entre 1945 y 1960, la media de visitas semanales al cine en EE.UU descendió un 60%. La historia la industria cinematográfica de lo últimos 70 años se puede interpretar como el intento de paliar la fuga de espectadores ante los múltiples enemigos: la televisión, la desurbanización de la población o el baby-boom.

Pero eso, claro está, es solo un enfoque. Se podría hablar de la visión política: desde el cine de propaganda de la II guerra mundial, pasando por la cristalización en ciencia ficción de la paranoia de la guerra fría,  hasta el antibelicismo post-Vietnam. Sin olvidar la caza de brujas del Mccarthismo.

O las transformaciones formales y narrativas. Cómo el cine clásico de los 50, vindicado desde Francia por la política de autores que encumbró a Ford, Hawks o Hitchcock, da paso al renacimiento del cine experimental (oculto desde los años 20) en los años 60, la época más extrema del arte cinematográfico.

De todo eso y mucho más versa el II tomo de la Historia Universal del cine, del crítico italiano Gian Piero Brunetta, que la editorial Akal pone a la venta y que El séptimo vicio presenta el lunes 5 de noviembre el la Cineteca del Matadero de Madrid. 

Una obra monumental que la editorial tiene previsto lanzar a tomo por año hasta llegar a los siete del original italiano. El tomo II, traducido y aumentado, aborda el cine estadounidense desde el final de la II Guerra Mundial a la actualidad.

Un análisis transversal

Javier H. Estrada, crítico de Caimán Cuadernos de cine, ha sido el encargado de completar la obra original, publicada en Italia a comienzos de siglo XXI, con un capítulo sobre el cine estadounidense actual. “Es una historia mundial de cine realizada de una manera diferente. No prima la cronología, es una propuesta más transversal”, explica.

Brunetta, profesor de Historia y crítica de cine de la Universidad de Padua, aborda un enfoque poliédrico que  trasladar la atención desde los directores a un análisis de los modos de producción, la coherencia y la continuidad de la industria cinematográfica. Y que incluye aspectos tan poco tratados como la introducción del cine europeo en EE.UU,  la producción internacional de Hollywood, el cine afroamericano o el cine yiddish.

Un recorrido que frecuenta lo conocido y también lo oculto. “El espíritu de la obra de Brunetta tiene la necesidad de no hablar de las obras más consagradas sino de revolver y encontrar trabajos de los que se ha hablado menos”, abunda Estrada.

 “El cine americano es el cine con más visibilidad pero sigue habiendo un cine americano que no se ve y que hay que reivindicar. Hay un capítulo fundamental sobre el cine experimental americano con figuras como Jonas Mekas o Nathaniel Dorsky. Y es muy interesante la fina línea que hay entre el documental y cine experimental con autores como James Benning, el mejor paisajista de Norteamérica o Thom Andersen, con películas como Los Angeles pays itself”.

El diálogo con la televisión

Dos de los capítulos más interesantes explican los vasos comunicantes entre Hollywood y Nueva York y, en segundo lugar, la influencia mutua con el medio televisivo desde los 50 a la actualidad. 

“La tv al poder ofrecer narrativas tan largas profundiza en los personajes como el cine no puede hacer. Esto va en perjuicio del cine de Hollywood aunque da oportunidades al cine independiente. Su nicho está siendo pisado. El concepto de autor está muy debilitado en la industria. Ahora mismo podemos encontrar dos guardianes de eso: Eastwood y Fincher”, sostiene Estada.

¿Ha desplazado el auge de las series a la política de autor? “La figura del guionista es muy importante pero no dejo de pensar que la teoría de los autores es fundamental.  

 El cine es audiovisual y las señas de identidad claves las han incorporado los directores. Es cierto que Hollywood está pasando un momento de crisis porque se ha basado mucho en la narrativa, pero localizo a cuatro autores fundamentales del cine americano en lo últimos años: Tarantino, Gus Van Sant, Terrence Malick y David Lynch”.

El futuro de las salas

Y volvemos al principio. Al esfuerzo de la industria por detener la sangría o recuperar al “público perdido”. “El cine americano comercial debería encontrar una fórmula que está buscando. El 3D es un aliciente para acudir a las salas e intenta ser el fortín del cine. Pero la industria tiene que buscar el equilibrio y no basarlo todo en la tecnología. Faltan películas realmente relevantes en lo que cuentan.

 La invención de Hugo es notable pero, viniendo de Scorsesse, no se puede dejar de pensar que no es una de sus grandes películas. El 3D tiene todavía un poso muy infantil y debe enfocarse hacia argumentos más adultos”, afirma Estrada.

Con todo, la conclusión es que las salas permanecerán por su poder insuperable de concentrar al espectador en la narración. “El cine siempre va a pelar por contar las historias más emocionante y contarlas de la mejor manera. 

Los grandes creadores siguen estando en el cine. En cuanto a guionistas, la tv tiene el poder, pero no creo que se puedan comparar las series que se están haciendo con las películas de Terrence Malick o David Lynch. Por muy rupturistas que estén siendo las series no llegan al nivel de experimentación o valentía del cine. La televisión no puede permitirse la primera media hora de El árbol de la vida”, concluye Estrada.

Gauguin en los abismos de Tahití

El Museo Thyssen acoge una exposición sobre el artista y su influencia en las vanguardias

 

Dos mujeres jóvenes, una de frente y otra de perfil están sentadas en el suelo entretenidas con alguna labor del campo. Sus potentes piernas y brazos al aire destilan poder, pero están caídos sobre el suelo y sobre el cuerpo. Sus rostros oscuros y negras melenas no expresan emociones. Ambas van vestidas con coloridos vestidos que llenan de luz la imagen. 

Su actitud contemplativa las transforma en máscaras situadas delante del espectador, sin ninguna perspectiva. Se trata de Parau api (¿Qué hay de nuevo?) (1892), una de las telas más famosas de la historia de la pintura, pintada por Paul Gauguin en 1892. 

Este es el cuadro elegido para recorrer con el artista francés (París, 1848- Atuona, Polinesia francesa, 1903) sus viajes por los mares del Sur y transitar con él por los abismos que transformaron su concepción del arte, que marcó dos grandes movimientos del siglo XX: el fovismo francés y el expresionismo alemán.

El colorido salvaje y plano a la vez de los nativos y los paisajes arcádicos que llevó a sus lienzos hicieron de él uno de los artistas más influyentes de toda la historia del arte. Son muchas las exposiciones que se le han dedicado en todo el mundo y, al igual que Picasso, siempre hay caminos nuevos por explorar para disfrutar de su obra.

El Museo Thyssen, que le dedicó una compleja antología en 2005, ha escogido a Gauguin para celebrar dos décadas de existencia que se cumplen el lunes 8. Gauguin está representado en la colección de Carmen Thyssen con siete obras maestras, entre las que destaca Mata Mua (Érase una vez), un cuadro que representa como ningún otro el mundo idílico que perseguía Gauguin. 

Es un paisaje rodeado de montañas en el que un grupo de mujeres adora a Hina, la deidad que simboliza la Luna. Esas mujeres que bailan en medio de su peculiar paraíso son una perfecta metáfora del mundo que el artista buscaba en islas remotas de la Polinesia francesa. 

No sabía que el mundo del que venía huyendo ya había contaminado también el paraíso remoto que necesitaba encontrar para empezar de cero en su atormentada vida y reinventar su forma de entender la pintura.

Gauguin realiza su primer viaje a Tahití en 1891, con 43 años. Enfermo de sífilis, busca calma para renacer como persona y como artista. Hijo de una familia liberal, de niño tuvo que huir con su familia a América después del golpe de Estado de Napoleón III en 1851, un viaje durante el que se quedó huérfano de padre y la madre se vio obligada a recurrir a la generosidad de unos parientes que vivían en Lima (Perú).

El entorno natural de esos primeros años influirá en gran parte de su obra. Vendrían después su vuelta a Francia, su éxito como agente en la bolsa, su matrimonio y sus cinco hijos, su inmersión en el impresionismo y la posterior debacle de su cómodo nido familiar y profesional tras el desastre de la economía.

Esas mujeres que bailan en su peculiar paraíso son una metáfora del mundo que buscaba

Su viaje a la Polinesia es una incursión en lo exótico, pero también una búsqueda desesperada de otra forma de vida y ese es el momento con el que arranca la exposición que hoy viernes se presenta en la Fundación Thyssen. 

La comisaria Paloma Alarcó, jefa de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza, ha escogido 111 obras prestadas por colecciones públicas y privadas de todo el mundo para narrar la aventura de Gauguin y su influencia en generaciones posteriores. Hay obras de la Fondation Beyeler de Basilea, el Albertina de Viena, el Bellas Artes de Budapest, la National Gallery de Washington o el Pushkin de Moscú.

La intención del artista es llevar una existencia armoniosa, acorde con la inocencia y vida de los nativos "sin otra preocupación en el mundo", escribe. "Más que expresar, como lo haría un niño, las impresiones de mi mente, usando solo el medio del arte primitivo; el único medio correcto, el único medio verdadero". 

Solo quiere amar, pintar y morir, pero allí se encuentra con que esa paz soñada ha sido violentada por los colonizadores y por la Iglesia y, a modo de denuncia, proclama en sus cuadros el retorno al paraíso perdido.

 La primera parte de la exposición arranca con obras que mezclan mitos ancestrales, indolencia nativa y paisajes exóticos.

En ese inicio de la exposición, los paisajes de Gauguin se exponen junto a la versión que de escenas similares pintó Charles Laval.

 La Martinica, sus mujeres nativas, las palmeras... muestran un deslumbrante paraíso tahitiano. En las primeras salas del recorrido cuelgan la mayor parte de las 33 obras de Gauguin reunidas para esta ocasión. "Son obras", explica la comisaria, "en las que Gauguin cuenta lo que le hubiera gustado encontrar: una vida idílica que él había visto en un salto atrás, antes de que llegara la civilización y prohibieran sus bailes y su música".

 "En estas telas, las montañas cercan espacios en los que los nativos dedican sus sacrificios a los dioses y se distraen con sencillos entretenimientos como los juegos con frutas y flores". El lenguaje pictórico que utiliza en esta época es muy poco naturalista. Las formas son planas y la perspectiva del cuadro no existe. Todo cae delante de los ojos del espectador.

Su intención era llevar una existencia armoniosa, acorde con la inocencia de los nativos

Vendrán después las obras de su segundo viaje, el definitivo. Los nuevos cuadros parecen contener los mismos elementos, pero aparecen ya los símbolos de la maldad que los colonizadores y las iglesias protestantes y católicas han infligido a los nativos: mujeres desnudas junto a las que aparece la serpiente que representa el final del paraíso tal como él lo había imaginado. Y para ello recurre a los colores oscuros y al simbolismo.

El mundo de lo primitivo es abordado en aquellos años por otros pintores ajenos personalmente a Gauguin, y así se recuerda en la exposición: Henri Rousseau, primero; Emil Nolde y Max Perchtein, después, tocan esos temas con diferentes planteamientos. Paisaje tropical con un gorila atacando a un indio, firmado por Rousseau en 1910, es una de las obras clave de este apartado.

La salvaje libertad en el uso del color de Gauguin y su influencia en los fovistas franceses y los expresionistas alemanes se desarrolla en las salas siguientes, después de mostrar detalladamente su tratamiento del desnudo y del retrato. En esos dos grandes ismos netamente europeos, la naturaleza salvaje presidida por desnudos protagoniza un nuevo concepto de vida. 

Los franceses absorben las formas y el color de Gauguin; los alemanes, la forma de relacionarse con el mundo con unas nuevas pautas para representar el cuerpo humano. Todos ellos participan de una misma entrega a la naturaleza y comparten una misma esperanza por conseguir la armonía a partir de los elementos más básicos.

Cuando Gauguin murió, en 1903, no había conseguido el reconocimiento de la crítica en las diferentes exposiciones que se le habían dedicado en París. La venta de su obra era tan escasa que para el primero de sus viajes tuvo que pedir una subvención al gobierno francés. Después, las ayudas fueron inexistentes. Su dedicación a recuperar Tahití para los maoríes y vivir como un nativo más no le generó buena reputación en la metrópolis. 

Fue después de muerto, cuando su reconocimiento internacional se extendió por toda Europa y los artistas de todo el mundo ensalzaron y se inspiraron en su obra. Él murió pobre, pero acompañado de quienes le habían ayudado a revolucionar el concepto del arte.

 

 

Los códices de Da Vinci, sin secretos

La Biblioteca Nacional expone los tratados que conserva del genio italiano

 

El códice de Leonardo da Vinci sobre 'Tratados varios de fortificación estática y geometría' que expone la Biblioteca Nacional. 

Será una ocasión única para ver los dos códices de Leonardo da Vinci, bautizados desde finales de los sesenta como Madrid I y II, al desnudo. Tras su proceso de restauración, uno de ellos se muestra desencuadernado, un estado transitorio al que casi con seguridad retornará difícilmente en el futuro, ya que ha sido digitalizado.

Con motivo del tricentenario de la institución, la Biblioteca Nacional está desempolvando sus mejores joyas en sucesivas exposiciones. No hay duda de que los códices de Da Vinci son una de ellas, y una de las más antiguas, ya que pertenecen a la colección original. 

Ambas piezas se encontraban en la biblioteca de la Torre Alta del Alcázar, cuyos fondos pasaron a engrosar el material de la Biblioteca Nacional cuando la fundó Felipe V, el primer borbón que reinó en España tras imponerse en una larga guerra al candidato de los Austrias.

Los códices habían sido legados en 1642 a Felipe IV por un extraño clérigo, Juan de Espina, gran coleccionista madrileño. ¿Cómo habían llegado a Madrid? Según Elisa Ruiz, comisaria de la exposición que se inaugura hoy, habían llegado de la mano del escultor Pompeo Leoni, que había adquirido una parte importante de los manuscritos de Da Vinci a su discípulo Francesco Melzi, que heredó toda esta producción tras la muerte de su maestro.

La BNE asegura que estos códices representan el 10% de la producción escrita de Da Vinci que se conserva en todo el mundo. Uno de los libros es un Tratado de estática y mecánica que aborda diferentes cuestiones; mientras que el segundo son Tratados varios de fortificación estática y geometría, donde se entremezclan las anotaciones científicas y las personales.

Día Internacional de los Museos._ Cinco propuestas para visitar de una forma diferente y a otras horas los museos de siempre

Este viernes y sábado se celebran el Día y la Noche de los Museos

 

El Día Internacional de los Museos se celebra el 18 de mayo en todo el mundo desde el año 1977. Por su parte La Noche de los Museos nació en 2005 por iniciativa del Ministerio francés de Cultura y Comunicación. Desde entonces, son muchos los museos de toda Europa que celebran el Día y la Noche de los museos, abriendo sus puertas gratuitamente y organizando actividades paralelas para que los visitantes habituales o nuevos se unan también a esta celebración.

Este año, la celebración que tiene lugar este viernes y sábado tiene por lema “Museos en un mundo cambiante. Nuevos retos, nuevas inspiraciones”. En España, museos grandes y pequeños, nacionales o autonómicos llevan, cada uno a su manera, a la práctica la idea contenida en ese lema.

Así, por ejemplo,  el museo Thyssen Bornemisza pedirá este viernes a su público que le cuente cómo ven los museos y cómo les gustaría que fuesen en el futuro. 

El museo de Antropología cederá su espacio a un ballet de Polinesia que mostrará sus danzas y rituales. También este viernes la Compañía Nacional de Danza “reinterpretará” los espacios del Museo Reina Sofía, mientras que museos como el de Artes Decorativas (Madrid) y el Museo Cristóbal Balenciaga permitirán a sus visitantes acceder a sus almacenes, talleres y otros espacios que normalmente quedan excluidos al público.

Visitar el Prado de noche

Este viernes, el Museo del Prado de Madrid ofrece la posibilidad de asistir a las sesiones extraordinarias de "El Prado habla", dedicadas a analizar los diálogos establecidos entre diferentes obras de la colección para ofrecer una nueva perspectiva a la visita.

Además, el museo obsequiará con una tarjeta-regalo a los niños menores de 14 años que lo visiten a lo largo de la jornada, con el fin de que luego la puedan utilizar un grupo de hasta cinco personas para acceder al recinto entre el 19 de mayo y el 18 de noviembre.

La pinacoteca, además celebrará la Noche de los Museos con la apertura excepcional este sábado  -en horario nocturno, de 20.30 a 1h. (último acceso 0.30h.), y con acceso gratuito- de las salas de la planta principal dedicadas a los maestros españoles mejor representados en sus colecciones -como El Greco, Velázquez y Goya- y la Galería Central.

En este recorrido se incluye la visita a la instalación especial: El pensamiento constitucional en la obra Goya en la sala 38 que, en torno a un ejemplar de la Constitución de 1812 perteneciente a la Biblioteca del Prado, revela cómo Goya abordó en algunas de sus obras asuntos vinculados con las reformas sociales y políticas derivadas del ideario constitucional.

Reina Sofía: danza de día, gymkana de noche

El Centro de Arte Reina Sofía ofrece la visita a su  departamento de restauración y la labor realizada con obras como "Mujer en azul", de Picasso, así como itinerarios por la biblioteca y su colección permanente.

Además el museo de arte contemporáneo acogerá este viernes una serie de propuestas coreográficas desarrolladas en diferentes espacios de sus instalaciones por la Compañía Nacional de Danza, y ha convocado a mujeres artistas a acudir a su entrada principal a las 12:30 horas con una polvera con espejo con la que recogerán un rayo de sol para reflejarlo sobre el nombre del Museo. Las coreografías pueden verse en varios pases: 17h, 18.30 y 20.30.

El sábado, para celebrar la Noche de los Museos, el Equipo -los jóvenes educadores del Museo- han organizado una serie de actividades en las que los participantes reflexionarán sobre cómo y por qué se desarrolla el hecho artístico, a través de "mini-actividades" en distintos espacios del museo (claustros, terraza, patio y pasillos). Una "especie de gymkana", dicen, animada por "técnicas performativas y teatrales"

Siéntete protagonista en el Thyssen

¿Cómo se refleja el cambio del mundo en los museos? ¿Qué cosas están cambiando en los museos? ¿Qué nuevos retos tendrán en el futuro? ¿Cómo afectarán esos cambios a las personas y a la sociedad? Estos son algunos de los interrogantes sobre los que nos invita a reflexionar la convocatoria de este año y que el museo Thyssen-Bornemisza quiere compartir con sus visitantes para que se sientan protagonistas ese día. 

Por eso, además del habitual acceso gratuito a las colecciones permanentes y exposiciones temporales durante toda la jornada del viernes, el público que lo visite tendrá la oportunidad de contar  sus ideas y expectativas respecto a los cambios de nuestra sociedad y al papel que los museos juegan en ellos. En el hall de entrada habrá un panel con conceptos e ideas relacionadas con el cambio, que el público podrá manipular; sus ideas e interacciones serán fotografiadas a lo largo del día y, posteriormente, publicadas en flickr.

Además el Thyssen Bornemisza amplia su horario; ofrece también entrada gratuita a las exposiciones temporales de 19 horas a 1 de la madrugada. Al día siguiente, el sábado 19, el Museo se suma también a la ya tradicional celebración de la Noche de los Museos, con acceso gratuito a las exposiciones temporales –Chagall y Visiones de la India- desde las 7 de la tarde hasta la 1 de la madrugada.

Viaje nocturno e interestelar en Caixaforum Barcelona

En la ciudad condal, una cincuentena de museos se han sumado a la celebración del Día y la Noche de los museos. Es el caso de Caixaforum Barcelona que desde el viernes hasta el domingo celebra el Día y la Noche de los Museos. Comienza este viernes con dos conciertos de Jinx Jazz Band.

Es una oportunidad, para asistir en Cosmocaixa a la muestra "Viaje a los confines del Universo" en la que el sistema de simulación astronómica del Planetario digital 3D de CosmoCaixa hace realidad el sueño milenario de viajar entre las estrellas sin moverse de la butaca. La experiencia permite explorar el sistema solar, navegar entre las estrellas vecinas observando sistemas planetarios descubiertos recientemente y llegar hasta los límites de nuestra galaxia. 

También podemos este fin de semana recorrer la exposición Robots del futuro: exhibición de robots de competición y robots humanoides Tecnorrevolución o la muestra La era de las tecnologías convergentes, una visita que  muestra los grandes cambios tecnológicos que la humanidad ha vivido desde sus orígenes hasta las denominadas tecnologías emergentes, y como la tecnología inunda muchos aspectos de la vida y está presente en ámbitos tan diversos como la sanidad, el arte, el deporte, la ropa...

Museo Balenciaga: un recorrido diferente

Es el primer año en el que el que Cristóbal Balenciaga Museoa, situado en la localidad guipuzcoana de Guetaria -donde nació el famoso diseñador español- celebra el Día Internacional de los Museos. Para la ocasión han programado una visita completa por la arquitectura del nuevo centro, incluyendo espacios que suelen estar excluidos de las visitas normales, además de la entrada libre durante todo este viernes.

La visita guiada por la arquitectura del museo, que corre a cargo de Javier González de Durana, director de la Fundación Cristóbal Balenciga Fundazioa será este viernes, y a continuación, a las 18.30 tendrá lugar una conferencia a cargo  de Miren Arzalluz, responsable de la colección de la Fundación Cristóbal Balenciaga titulada Influencia de las pasarelas parisinas en los comienzos de Cristóbal Balenciaga (1917-1936).

'La casa de los susurros', un cómic de Muñoz y Tirso que triunfa en todo el mundo

• Cuentan la historia de unos huérfanos con "poderes especiales"
• Un productor francés quiere rodar una película

 

Viñetas de 'La casa de los susurros', de Muñoz, Tirso y Montes

David Muñoz (guionista), y Tirso Cons (Dibujante) son dos jóvenes autores españoles que han triunfado en todo el mundo con La casa de los susurros (Dolmen), una historia sobre una misteriosa mansión habitada por niños muy especiales.

“Es la historia de Sarah –nos cuenta Muñoz-, una niña que tras perder a sus padres y a su hermana en extrañas circunstancias, es internada en un hospital para huérfanos de la antigua Yugoslavia, pocos años después del fin de la Segunda Guerra Mundial. Los médicos le cuentan a Sarah que ha sido infectada por el mismo virus que ha matado a su familia y que allí van a curarla. 

Pero en realidad lo que le ocurre a Sarah es algo muy diferente. En cuanto sospecha que la están mintiendo, Sarah, acompañada de otros huérfanos del hospital, decide comenzar a investigar, descubriendo que va a jugar un papel muy importante en una guerra que lleva luchándose desde hace milenios entre las razas de monstruos y los hombres”.

Una niña que visualmente recuerda a Caperucita Roja. "No ha sido intencionado -asegura Tirso- pero me imagino que es algo que está ahí. La pérdida de la inocencia, la manipulación y las decisiones y sus consecuencias. La elección del rojo en el caso del abrigo de Sarah simplemente adolece a razones estéticas".

“La portada fue casi la página 1, de lo primero que hicimos –comenta el dibujante-... y a partir de ahí mantuvimos cierta coherencia. De todas formas, la iconografía popular juega un papel muy importante en cualquier relato de este tipo. Forma parte del tablero. Quizás en otra cultura no evoque los mismos sentimientos...”

Una historia de amistad... y traición"

“Yo creo lo más importante, y con lo que espero que se queden los lectores de “La casa de los susurros” sea la historia de amistad entre los protagonistas. Es la que más me interesó mientras estaba escribiendo los tres álbumes”, asegura David Muñoz.

“Al final, lo que contamos es como unos niños se hacen amigos -explica el guionista-. Y por supuesto, como esa amistad se ve puesta a prueba y en algunos casos se rompe. Ese es el núcleo emocional del relato. Y es la historia que me gustaría continuar algún día. Una de las cosas que me llevaron a escribir La casa de los susurros fue leer un artículo sobre un orfanato africano en el que viven niños con el H.I.V., el virus del SIDA. Me impactó de tal manera que no pude quitármelo de la cabeza durante meses”.

“No paraba de preguntarme como sería ser un niño y vivir así, con una bomba de relojería en tu sangre -continúa Muñoz-. También me conmovió de aquel artículo lo importante que era para aquellos niños su relación con sus compañeros (sus únicos amigos, ya que fuera del orfanato todos les rechazaban) y el personal que les atendía. Al cabo del tiempo, todas aquellas reflexiones fueron dejando un sustrato que, extrapolado al fantástico, fue lo que dio origen a la La casa de los susurros.

"Nada que ver con El espinazo del diablo"

Una historia que, pese a hablar sobre huérfanos y estar ambientada en un orfanato tiene poco que ver con otro de los éxitos de Muñoz, El espinazo del diablo. “Creo que se parecen muy poco –asegura el guionista- salvo en que están protagonizados por niños y en que hay un orfanato. El espinazo del diablo es una historia gótica de fantasmas bastante clásica en el fondo (aunque quizá no lo parezca al estar tan "españolizada"), mientras que La casa de los susurros es una historia fantástica mucho más ambiciosa y épica. Es otro género. No es lo mismo Otra vuelta de tuerca que El señor de los anillos.

El espinazo... costó unos 6 millones de euros (pero lo mismo me equivoco), una posible película de La casa... costaría 150. ¡Lo que es una razón importante para que nunca llegue a rodarse! Aunque puede que las dos historias tengan más cosas en común de las que me parecen a mí”.

"Al final siempre me tiran los mismo temas: la amistad y lo fácil que es traicionarla (que poco separa a veces el amor del odio), qué significa madurar y qué pierdes por el camino al hacerlo, la desconfianza respecto a los adultos (y por extensión a todos aquellos que ejercen el poder)... pero bueno, tampoco me gusta hacer de crítico de mi mismo y explicarme hasta ese punto. 

Sobre todo porque contado así puede dar la impresión de que el proceso de escritura de mis guiones es mucho menos espontáneo de lo que realmente es. Sencillamente me pongo a escribir y las decisiones que voy tomando de forma casi instintiva me suelen llevar a tratar este tipo de temas. No es algo premeditado”.

Ambientación gótica en Praga

"David y yo hablábamos mucho antes de empezar con el guión técnico de las ideas y el contexto en el que debía desarrollarse la historia -confiesa Tirso-. La república Checa estaba ocupada por los soviéticos en un momento de postguerra y nos permitía un ambiente, tanto por algunos de sus parajes, clima... como la belleza de su capital, que eran perfectos para nuestra historia, a parte de complicarnos menos la vida con contextos políticos y detalles históricos que no son más que decorado de lo que sucede".

"La verdad es que no pensé en el ambiente gótico a priori, como idea de la que partir para el desarrollo gráfico, pero a medida que realizamos bocetos, conocíamos los personajes, y los ambientes en los que transcurría la historia, la historia tomó carices góticos -confiesa el dibujante-. Quizás resulta difícil hacer algo con Vampiros, Mansiones y niebla y que no resulte gótico! ¡ja,ja,ja!".

Monstruos clásicos del siglo XXI

"En el mundo de La casa de los susurros existen todo tipo de monstruos “animales” -nos explica Muñoz-.. Hasta, como se ve en el tercer álbum, hay una mujer pájaro. Pero no tengo una buena respuesta que explique por qué usamos esos monstruos y no nos limitamos a los vampiros y los hombres lobo. Sé que en su momento Tirso y yo le dimos muchas vueltas a eso, pero ahora mismo no recuerdo por qué decidimos tirar por ahí".

"Nuestra propuesta ha sido unir esos monstruos clásicos, que podrían haber sido los protagonistas de, por ponernos exquisitos, La mujer pantera de Jacques Tourneur, o innumerables películas de serie Z, con el mundo “biotecnológico”, en el que el origen de la monstruosidad es más científico que mágico, de prácticamente todas las películas de vampiros posteriores a Blade. Eso es en lo que más se nota que es una historia del siglo XXI".

"Quizá una influencia muy grande en muchos de los conceptos que manejamos en La casa de los susurros fue el remake de La mujer pantera que dirigió Paul Schrader en 1982. Es una película que siempre me ha fascinado y que he visto varias veces -comenta Muñoz. Justo ahora, contestando esta entrevista, es cuando me he dado cuenta de que también puede haberme influido al escribir el cómic. 

Ah, y también creo que me influyó Razas de noche una película dirigida por el escritor Clive Barker basada en una novela suya. La película es muy mala, pero aún así está llena de ideas que me estuvieron rondando la cabeza durante un tiempo. Todo aquello del mundo de monstruos que existe en paralelo al de los humanos me pareció siempre muy interesante. ¡Y es que muchas veces las cosas que te influyen de verdad no tienen porque ser la que normalmente se consideran “buenas”"

 

Se prepara una adaptación al cine

"Creo que podría ser una buena película si alguien estuviera dispuesto a gastarse 150 millones de euros en rodarla -asegura David Muñoz-. De hecho ya hay un proyecto en marcha. Un director francés se ha interesado por los derechos y ahora mismo creo que se está escribiendo el guión. Pero si te soy sincero, me da igual que se haga una película o no de La casa de los susurros. Si se hace y es buena, estupendo, porque habrá más gente que se interese por el cómic. Pero también puede ser un horror y producir el efecto contrario".

"Encima -continúa Muñoz- puede pasar que esa película horrible sea en lo primero en que se piense cuando alguien escuche el nombre La casa de los susurros. Como le ha pasado al pobre Darren Shan con su estupenda serie de novelas juveniles de vampiros Cirque du freak. La adaptaron al cine, y no solo quedó mal sino que fue un fracaso. Pero ahí está para la eternidad, en DVD y en Blu-ray y en mil páginas web. ¡O la película de Luc Besson de Adèle Blanc-sec! ¡Pobre Tardi! En realidad, hay muchas más adaptaciones de cómics malas, o que directamente dan vergüenza ajena, que buenas".

"Además, quizá al ser también guionista de cine no tengo tan mitificado el mundo del cine como otros compañeros historietistas y no me muero porque hagan una película con mis cómics. Si tiene que pasar, pasará, pero ya te digo que no es algo que espere con especial ilusión. Hombre, seguro que el dinero (que tampoco será mucho), nos vendrá bien a Tirso y a mí, pero aparte de eso…"

"Lo que sí me ha hecho ilusión es que La casa de los susurros se haya publicado en Francia, en Estados Unidos, en Holanda, en España, en Alemania… Eso sí que me hace feliz. El día en que vi Whispers in the Walls anunciado en el catálogo Previews (que compro todos los meses para pedir comic book americanos), fue uno de los más felices de mi carrera. Cuando escribo cómics quiero que sean buenos cómics, nunca me los planteo como storyboards de futuras películas (cosa que por desgracia sí que parece una tendencia en cierto cómic comercial europeo y americano)".

Un equipo creativo de lujo

David Muñoz confiesa que gran parte del éxito del cómic es cosa del dibujante y el colorista (Javi montes): "Un guión no es nada por si solo. Yo creo que he tenido mucha suerte al tener a Tirso y a Javi de compañeros de viaje. Son muy, muy buenos. La historia y la forma en la que estaba contada han ido siempre en la misma dirección, no ha habido grandes diferencias de criterio entre unos y otros. Con Tirso me reuní bastante antes de empezar a escribir para discutir la historia, y luego cada vez que terminaba una versión del guión él me mandaba notas haciéndome comentarios, preguntas, y sugerencias".

"A mí siempre me gusta escribir mis guiones de cómic teniendo en cuenta quién los va a ilustrar, y sobre todo, sintiendo que los dos, guionista y dibujante, somos realmente cocreadores del proyecto -comenta Muñoz-. Luego, una vez el guión de cada álbum estuvo terminado, Tirso lo dibujo y… ya está. A la hora de dibujar Tirso es muy de ir a la suya y poco amigo de enviar bocetos o de discutir la planificación de sus páginas con nadie, pero bueno, aunque a mí al principio me habría gustado tomar parte en ese proceso, visto el resultado, tampoco me puedo quejar".

Una vez más Tirso nos sorprende con sus arriesgadas composiciones de página que nunca obstruyen la fluidez de la narración: "Me gusta experimentar porque, de lo contrario, mi trabajo sería muy aburrido", asegura.

Algo en lo que Muñoz le da bastante libertad: "La verdad es que no soy un guionista muy dictatorial, en mis guiones no suelo especificar el tipo de plano de la viñeta salvo que me parezca necesario que sea de una manera concreta para que se comprenda la acción. No quiero que el dibujante sea “mi mano” ni tenerle trabajando un poco como a control remoto. Hacer cómics es una colaboración e igual que el dibujante tiene que confiar en que yo voy a hacer bien mi trabajo, yo tengo que confiar en su capacidad como narrador".

"Y con Javi no recuerdo haber hablado nunca del color del álbum excepto para decirle que me gustaba mucho -confiesa Muñoz-. Nunca hubo nada que me pareciera que hubiera que corregir. Así que me llegaban las páginas, las miraba, casi siempre sonriendo, contento de ver mis ideas hechas realidad, y las metía en la carpeta de mi ordenador donde iba guardando todo el material del álbum. Me encantaría repetir con Tirso y con Javi, y espero que ocurra tarde o temprano".

"Trabajar con David es fácil -asegura Tirso. Es muy dialogante, muy poco egoísta y así resulta sencillo... a parte de tener muy claro que quiere y expresarlo con facilidad. Pero creo que en parte la clave estuvo en haber hablado y habernos visto y reunido muchas veces antes de lanzarnos... de alguna manera, en las charlas coloquiales, entiendes a veces mucho mejor lo que tu compañero tiene en la cabeza, el como ve un personaje, o incluso sabiendo de sus gustos literarios o culturales... te acerca a su forma de ver las cosas. Si estas además mimetizan con las propias... pues mucho más sencillo aun".

"Y el color de Montes es fundamental -continúa Tirso-. Conozco a Javi de hace tiempo, y prácticamente hemos empezado juntos, o al menos, desde que yo empecé, siempre ha estado a mi lado. Javi y yo siempre hemos compartido muchos gustos, y nos une una relación que trasciende las viñetas. Mis dibujos lucen fantásticos con su color. Hemos tenido que hacer ajustes por problemas de impresión, pero que considero que hemos ido solventando... y el resultado es que creo que dibujo y color se funden a la perfección".

Además el cómic incluye unos estupendos extras e ilustraciones de otros grandes artistas sobre los personajes como Humberto Ramos, Enrique Fernández, Marcial Toledado, Roberto Ricci, Geral Parel, Tim Sale, Javi Martín, Verónica Álvarez, Pedro J. Colombo, Man Arenas, Alessandro Barbucci, José Luis Munuera o Dani Acuña.  "Agradecido, sobre todo de contarlos como amigos", comenta Tirso.

 

Se podría convertir en una saga

"A mí me gustaría seguir escribiendo la serie, -confiesa Muñoz- y de hecho con Tirso hablé de continuarla contando una historia que ocurriría varios años después del final, con los protagonistas ya adolescentes. Pero depende de la editorial, y también de Tirso, que ahora mismo trabaja sobre todo para Glénat, una de las competidoras de Humanoides, la editorial original de “La casa…”. Supongo que si realmente se hace una película, habrá más posibilidades de que eso ocurra. Me parece un poco triste que sea así, pero es lo que hay.

No nos ha influido Carlos Giménez

Muñoz ha restado importancia a La influencia de Carlos Giménez en El espinazo del diablo. Es algo que me parece que en alguna ocasión se ha malinterpretado. Cuando escribí junto a Antonio Trashorras el tratamiento que acabaría convertido en El espinazo del diablo (que por entonces se llamaba La bomba), nunca pensamos que estuviéramos siendo influidos por los tebeos de Giménez. Pero dado que la historia sucedía en un orfanato en una época similar a la de una de las obras maestras de Giménez, Paracuellos, decidimos homenajearle llamando Carlos al protagonista".

"Nuestra influencia más clara, por lo menos en aquel momento, era la novela El señor de las moscas de William Golding. Aunque tampoco fue que nos planteáramos tampoco fusilar a Golding. Yo quería escribir una historia sobre lo que ahora llaman “bullying” (porque lo sufrí de niño, no porque lo leyera en ningún libro), tenía un dibujo de un niño junto a una bomba enorme sin explotar clavada en el suelo que hice un día no sé porqué, y a Antonio se le ocurrió la idea de un fantasma que no era tal sino la materialización física de la culpa de un niño (idea que luego Guillermo del Toro decidió descartar). Nos pusimos a hablar y poco a poco a partir de elementos tan dispares surgió el argumento".

"Nunca nos planteamos emular la obra de Giménez. Vamos, que nunca quisimos escribir un Paracuellos con fantasmas. Lo que pasa es que al venir a Madrid a rodar la película, Guillermo se dio el gustazo de contratar a Carlos Giménez (al que también admira mucho) para trabajar en la preproducción de El espinazo…”.

"Y yo creo que Giménez hasta retocó algún diálogo junto a Guillermo para darle un aire más realista, más de la época, a alguna situación, de manera que al final sí que hay en la película momentos que pueden interpretarse como guiños a Paracuellos. Pero en La casa de los susurros pues no creo que haya rastro ya de Giménez. 

Vamos, hay el rastro que puede haber dejado lo mucho que he disfrutado siempre leyéndole. Sin duda su obra ha contribuido decisivamente a mi forma de ver las historias. Incluso diría que soy quien soy, no solo como guionista, sino como persona, porque leí sus tebeos en el momento adecuado: Paracuellos, Los profesionales, Koolau el leproso, Dani Futuro, etc.

"Pero aparte de eso, nada más. No creo que tenga mucho sentido comparar un tebeo como el nuestro, una historia de aventuras fantásticas concebida para un público adolescente o incluso más joven, con los tebeos autobiográficos de Giménez, que aunque en ocasiones estuvieran protagonizados por niños, nunca fueron para niños. Sería como comparar… no sé… Harry Potter con Maus. Y que conste que tanto uno como otro me encantan. Pero no son lo mismo".

"Yo soy hijo de Dragon Ball"

Una posible influencia a la que el dibujanteTirso Cons,  también resta importancia. "En la sección de extras comenté que en el personaje de Milos, uno de los huérfanos, le dibujé los ojos más redondos, y las orejas de soplillo, como homenaje a algunos de los personajes de Paracuellos de Carlos... que le daba un aspecto más travieso y me parecía una manera de evocar eso que Carlos transmite con sus personajes. Ahora, de ahí a que el trabajo de Carlos sea una influencia en esta u otras obras, dista mucho".

"Generacionalmente no he conectado con el trabajo de Carlos Giménez. Llegué a él como dibujante de tebeos, como a muchos otros autores que considero importantísimos y de los que aprendo muchas cosas... pero no forman parte de esa influencia artística con la que creces. 

Podría decir lo mismo de Giraud o Victor de La Fuente... Pero yo soy hijo de Dragon Ball, Los Caballeros del Zodiaco, y crecí leyendo Hellboy o Akira... (o antes, a través de mi padre, Tintin o Asterix, Mortadelo, etc.)".

"Por suerte conozco a Carlos en persona y puedo decir que es una fuente de sabiduría, del medio y de la vida. Seguro ha supuesto una influencia en mi... pero debo descubrir en qué", concluye Tirso.

Sus proyectos

Ambos nos han contado sus proyectos, empezando por David Muñoz: "En televisión estoy escribiendo la serie de Antena 3 Con el culo al aire; en cómic tengo una nueva serie con Humanoides que está ilustrando Manuel García (con colores también de Javi Montes) y cuyo primer tomo debería editarse a finales de este año, y en cine estoy con el guión de precisamente la adaptación de un cómic muy conocido. 

Es un proyecto bastante complicado, y acabamos de arrancar, así que de momento no puedo hablar mucho de él. Espero que se ruede, pero según están las cosas por culpa de la crisis en el cine y la televisión, puede pasar cualquier cosa".

Tirso no está menos ocupado: "Acabo de terminar mi participación en 4 libros para Glénat, Las Crónicas de Legion, con el guionista Fabien Nury, cuyos libros 3 y 4 se publican a finales de este mes de mayo en Francia. Ahora estoy inmerso en la escritura del guión de mi próximo proyecto, también para Glénat, pero es probable que nada vea la luz hasta finales de 2013. Y alguna cosilla más... pero nada de lo que se pueda avanzar..."

La riqueza y desarrollo de la cultura Moche peruana desembarcan en Cádiz

Uno de los objetos de la cultura moche hallados en las excavaciones de la tumba del Señor de Sipán.

La civilización mochica peruana, que se desarrolló entre los siglos I y VIII d. C. muestra su esplendor, el preciosismo de su cerámica y sus avanzados conocimientos hidráulicos en una exposición inédita que hoy ha inaugurado la reina en Cádiz.

Su comisario, Luis Hurtado, ha asegurado que se trata de una "primicia mundial" por el "excepcional" número y nivel de las piezas que han sido reunidas, algunas de las cuales viajan por primera vez fuera de Perú.

La reina Sofía ha inaugurado "Tesoros pre-incas: el Señor de Sipán, Huaca de la Luna y la Dama de Cao", una muestra que recorre la historia de la cultura Moche y que reúne joyas, cerámicas y otras piezas que dejan constancia del desarrollo de esta civilización peruana precolombina.

La muestra, que permanecerá en la Casa de Iberoamérica de Cádiz hasta septiembre, es una de las grandes exhibiciones que viaja este año a la ciudad, elegida Capital Cultural Iberoamericana en el mismo año en que celebra la conmemoración del bicentenario de la Constitución de 1812.

La exposición reúne 195 piezas de distintos museos y fundaciones peruanas y recorre la historia de esta cultura que se asentó en una franja semidesértica de unos mil kilómetros de longitud en la costa norte peruana.


 

 En la imagen, figurillas que forman parte de las ofrendas encontradas junto a los restos óseos del "Señor de Sipán", en el Museo de Sipán, de la cultura Moche (Perú).

Joyas, orfebrería, vasijas de cerámica, murales, textiles y otros enseres recorren la historia de esta civilización, casi desconocida hasta que en 1987 se descubrió una gran tumba, la del Señor de Sipán, cuya magnificencia dio pie a que el hallazgo fuera comparado por la prensa de la época con la de Tutankamon, la del rey maya Pacal o el descubrimiento de Machu Picchu.

El hallazgo del gobernante moche que vivió hace 1.700 años, atribuido al arqueólogo peruano Walter L. Alva Alva, sirvió para desvelar muchos detalles de esta civilización y también para proteger la zona arqueológica, hasta entonces dejada a merced de los saqueadores.

Además de su habilidad para teñir, pintar o crear cerámicas y adornos, los moches tuvieron un gran desarrollo de obras urbanísticas, hasta el punto de que crearon una red de canales que permitió tener varias cosechas al año.

La cultura desapareció sobre el año 800 d. C., tras un brusco periodo de cambio climático que obligó a una emigración masiva.

Pero en la zona dejaron lugares de ceremonias y sus tumbas, como Huaca de La Luna y el enterramiento de La Señora Cao, otras dos de las excavaciones cuyos restos han viajado a Cádiz.

Además de a sus tesoros, la exposición permite acercarse a cómo los científicos han trabajado en el lugar para investigar y llegar a determinar, por ejemplo, que La Señora Cao fue una sacerdotisa que murió a los 25 años tras un parto.

Su momia fue encontrada en 2005 en un excelente estado al haber sido untada con sulfato de mercurio. Se conservaron así los tatuajes de serpientes y arañas que cubren su cuerpo y que, según los expertos, representaban la fertilidad de la tierra y sus dotes como adivina, unos datos que echaron por tierra teorías anteriores y desvelaron que en la cultura Mochica hubo también un matriarcado.

La exposición hace también un recorrido por las culturas previas, algunas de ellas datadas de 3.000 años a. C., y reflejan los 800 años de la cultura Moche, un antecedente de la Inca.

Las hazañas de los monjes guerreros

Diego Valor Bravo analiza el ascenso y declive de La Orden de Alcántara

«La orde de calatrava»
D. Valor Bravo
Ed. nerea
298 páginas, 25,48 euros.

La figura del monje guerrero resulta exótica hoy

Caballeros, monjes y monarcas, hombres al  servicio de una causa, personajes dispuestos a dar la vida por el honor o la fe.  Algo casi impensable en la actualidad. A semejanza de las órdenes templarias, surgían órdenes de monjes-caballeros. Una de ellas es la Orden de Alcántara.

 Tras un minucioso trabajo documental y de investigación, el historiador Diego Valor Bravo ha compuesto este relato histórico que pone de manifiesto la importancia y trascendencia que tuvieron lasórdenes de caballería en el siglo XII. «Esta nació en un contexto histórico y en una situación de frontera entre el islam y los reinos cristianos de la Península. 

Tenía una función militar y de combate, y a la vez era una orden religiosa, lo que la transformaba en algo singular», según afirma el historiador. «Pero la Orden de Alcántara poseía la particularidad de que se enfrentaba al mismo enemigo que en Tierra Santa. 

Estos hombres no tenían la necesidad de cumplir el deber de acudir a aquella zona como imponía la Iglesia». Existen una serie de relatos del siglo XII que sitúan el origen de dicha órden en un valle situado en lo que hoy es Portugal. Según estas historias, una serie de caballeros, durante una cabalgada, se topan con un ermitaño que sirvió en tierra santa. 

Éste les convence para que se residan allí. Es entonces cuando se instaura la orden. «Esta primera fundación no fue una orden militar, sino un monasterio de la frontera. Los caballeros acudían allí a vivir en soledad», confiesa el historiador. Su declive fue inevitable. Dejó de tener sentido la existencia de una órden militar-religiosa. «Coincide curiosamente con la fundamentación del Estado moderno.

Acumuló un gran poder militar, por lo que suponía un enemigo interior para el Estado. Además, ya no había enemigo al que batir, el Islam fue derrotado. En cambio, el aspecto religioso se mantuvo, se convirtió en una orden laica». Los documentos históricos muestran cómo Fernando el Católico consiguió de la mano de la Iglesia una serie de privilegios que le darían el poder sobre estas órdenes. Se convirtió en su líder. «Fue un artificio, un truco  que se sacó el rey. Es la llamada Administración Perpetua Temporal de los Reyes», comenta el escritor.


Secretismo aparente

 
La Historia nos marca el futuro a seguir, pero en muchas ocasiones cometemos el error de darle la espalda. Para el escritor queda mucho por enseñar: «En el mundo en el que vivimos la figura del monje guerrero nos parece curiosa, da pie a malas interpretaciones, nos dejamos llevar por un aparente secretísmo ya que no lo entendemos. 

Parece que no tiene que ver con nosotros, pero he querido poner de manifiesto el ideal del estado moderno. «Cuando La Fundación San Benito de Alcántara me encargó el proyecto quise resaltar el cambio que sufrió la orden, su representación social, la función de los caballeros o su vida particular, la cual era desconocida hasta ahora. 

Existe una gran confusión. Nada se sabe de lo que fue la vida de estos hombres. Personajes que vivieron en situaciones como son la guerra, la vida y la muerte. Se jugaban el tipo todos los días».

Vídeo._ Realidad aumentada en su máxima expresión en iOS gracias a Obvious

La realidad aumentada está en alza desde hace tiempo, pero todavía no ha llegado a calar hondo en los usuarios, ya que casi siempre necesitaba códigos o marcas especiales en la realidad para servir de guías. 

Hasta ahora, ya que Obvious Engine es un nuevo sistema que detecta directamente los objetos reales, y muy seguramente va a revolucionar la realidad aumentada en móviles y tablets enormemente a partir de ahora. Y si no me creéis mirad el siguiente vídeo.

 http://www.youtube.com/watch?v=UNiyT7qwHGA&feature=player_embedded


Sencillamente espectacular y un varapalo enorme para otras tecnologías de realidad aumentada como Layar. No sólo detecta directamente los objetos reales, sino que también es capaz de reconocer superficies curvas y se integra perfectamente tanto con Unity 3D como con OpenGL.

Además aseguran que el seguimientos de los objetos se realiza a 30fps en casi cualquier tipo de condición lumínica y con una colocación de los objetos virtuales tridimensionales con gran fluidez y estabilidad.

Vamos, la pera limonera de la realidad aumentada. Y lo mejor es que ya está disponible para desarrolladores a través de su SDK, aunque no es open source y por lo tanto requiere una licencia.

Lamentablemente, su creadora Harmonypark sólo lo ha desarrollado para iOS, por lo que los demás sistemas operativos no podrán disfrutar de esta genial realidad aumentada, al menos por ahora.

Kevin Love… Contra un luchador de sumo

Kevin Love, un jugador de la NBA, intentará meter una canasta teniendo como adversario a un luchador de sumo.

Kevin Love es un popular jugador de la NBA que hoy se va a enfrentar a un nuevo reto. Sin ir más lejos, va a intentar realizar una canasta teniendo en su contra a un luchador de sumo. La tarea no será fácil.

De esta forma, Love tendrá que vérselas contra un luchador de la categoría de sumo muy bien preparado que intentará que el jugador de Baloncesto no consiga su cometido. Para hacerlo, se lanzará contra él en cuanto suene el pitido del comienzo.

 http://www.youtube.com/watch?v=WsUJCpMJ8Gw&feature=player_embedded

Como véis en el vídeo, a Kevin Love se le han adherido algunas piezas para controlar lo que hace. Así, sabremos con total certeza el movimiento que ha realizado para poder evitar al luchador de sumo y, de esta manera, completar el reto.

¿Os atreveríais vosotros a hacer lo mismo?

Vía | Youtube

Así se vive el Síndrome de Asperger

UN AFECTADO POR LA ENFERMEDAD CUENTA SU EXPERIENCIA COTIDIANA

  

Alonso Monje en una imagen cedida por él mismo 

Mi nombre es Alonso y tengo el Síndrome de Asperger, que se encuadra dentro de los trastornos generalizados del desarrollo. No soy el único, hay más, tanto en el mundo real, como Bill Gates, como en el de la literatura y el cine (Lisbeth Salander), que conviven día a día con este síndrome.

Imagínate que puedas llegar a ser capaz de tener habilidades tan increíbles como sólo necesitar unos pocos minutos para hacer una caricatura cómica, cuando otros necesitan horas, días y semanas, que se te dé bien la gran mayoría de los deportes, tener buen oído para la música, dibujar con perspectiva a los 3 años y un conocimiento amplio y enciclopédico en muchos terrenos… etc. 

Habilidades que tengo, entre otras muchas, y que también las tienen otras personas con el síndrome que son mucho más geniales que yo. Pero que todos los días de tu vida estén llenos de broncas, insultos, ascos de la gente e incluso risas sin motivo también son algunas de las cosas que nos acompañan. 

En cuanto a las causas, destaco en primer lugar la falta de consideración hacia los sentimientos ajenos:

Habitualmente puede que diga algo que no debo y a veces, sin tener una intención premeditada, se lo comunico a alguien que no debía saberlo; también puede que use un vocabulario impropio o que no sepa defenderme correctamente en una conversación, no respetando equilibradamente los turnos, diciendo cosas que no vienen a cuento, o no teniendo picardía para mentir venialmente o lo contrario. Esto lo suelo hacer inconscientemente y me llevo verdaderos disgustos. 

En segundo, tengo una serie de torpezas impresionantes. Me da “grima” hacer tareas tan simples y vitales como llamar a los bomberos y me pongo de los nervios en los trámites burocráticos. Mi falta de consideración hacia los sentimientos ajenos me hacen presa fácil, soy excesivamente sensible y excesivamente sincero.

En tercero, tengo una larga lista de manías y fobias; un miedo excesivo a los animales depredadores (especialmente a las serpientes), temor a la suciedad, soy de todo o nada; o blanco o negro; bien o mal pero nunca neutro. No soporto que haya un cambio de planes, me pongo enfermo si cambian la posición de un cuadro de mi habitación sin avisarme y el peor de todos los cambios es el de vivienda y región, tardo 8 años en adaptarme (es decir, en tranquilizarme y tener gusto al sitio) a cada nueva casa y a cada zona.

En quinto lugar, manifiesto unos cuantos problemas extrasensoriales:

No soporto determinado tipo de luces (las de bombilla normal especialmente) y determinado tipo de ruidos metálicos como el correr de ventanas metálicas oxidadas o anticuadas.

Lo que he escrito no es una descripción exhaustiva de todo lo que me pasa por tener el S. de Asperger, pero que creo que ya muestro lo suficiente para que quien no lo conoce pueda hacerse una idea.
No hago comparaciones entre lo que soy y cómo son los  demás: yo al principio les envidié, pero ahora que tengo la mayoría de problemas controlados o hábilmente escondidos de los intolerantes, ya no se la tengo a nadie.

Llevo 8 años tratando de reforzar las ventajas intelectuales del síndrome, pero también de controlar todos los inconvenientes. 

Para evitar problemas sociales hago las siguientes cosas:

Como no puedo acordarme de ser correcto (ni aunque lo memorice), hago lo siguiente:
Todos los días de mi vida, tengo que premeditar todo lo que digo (de modo que sepa siempre qué contestar), como hacen con los políticos los discursos, con la gran diferencia de que estos discursos duran desde que me levanto hasta que me acuesto y son mucho más agotadores y tensos. Es más, tengo mi propia lista de instrucciones diarias.

Escondo mis manías y fobias. Para no ser excluido y además, ser tolerado, me he tenido que aguantar lo suficiente cuando la manía, problema extrasensorial… etc. ataca; en otros no podía aguantar, incluso he hecho teatro fingiendo que me pongo malo por otra cosa, para que la gente no descubra que tengo esa manía o problema extrasensorial. Y en otros momentos la manía es tan insalvable que huyo de conocer determinado tipo de gente y sus consecuentes familias para evitar conflictos sociales y angustias, a no ser que sea por trabajo.

Mi día a día prácticamente ya no tiene nada que ver con el que tenía hace años atrás. Desde que tomo precauciones con lo mío, casi tengo una vida tranquila y sin incidencias, pero las llamadas de amigos echándome broncas cada vez que cometo un error o los conflictos en los que me meto por malinterpretar el mundo, siempre estarán presentes debido al síndrome. Y todo lo sufrido durante estos años, por no tener ni idea de qué era y no tomar las medidas adecuadas, me ha dejado una herida que jamás cicatrizará.

Este es mi caso y mi punto de vista personal. Doy las gracias a este diario, por hacerme una pregunta que nadie ha tenido la habilidad de formular, la de ¿cómo se vive el tener el Síndrome de Asperger?

 

El día en el que un taxista compasivo robó un Goya de la National Gallery

EL RETRATO DEL DUQUE DE WELLINGTON

El retrato del Duque de Wellington. 

El de la "Gioconda" no ha sido el único robo "sonado" un 21 de agosto. En esa misma fecha, pero hace 50 años, el taxista Kempton Bunton, de 61 años, se llevó de la National Gallery de Londres el "Retrato del Duque de Wellington", de Goya, para pedir una recompensa y repartirla entre la "gente pobre". Este robo fue el primero de la historia de la National Gallery, considerado uno de los museos más relevantes en su categoría, y no sólo ocupó las portadas de la prensa británica sino que incluso aparece en la trama del primer filme de James Bond, "Agente 007 contra el doctor No" ("Dr. No", de 1962).

"El Duque de Wellington" (1812) llevaba tan sólo unas dos semanas expuesto en la National Gallery cuando el taxista británico, considerado el autor material e intelectual del delito, la descolgó y se la llevó andando tranquilamente. En una subasta celebrada en marzo de 1961, el museo había comprado al duque de Leeds la obra de Goya (1746-1828) por 140.000 libras esterlinas (al cambio de hoy, unos 2 millones de libras esterlinas -2,3 millones de euros-), explica en declaraciones a Efe Noah Charney, presidente de ARCA, la asociación de Estados Unidos que investiga los delitos relacionados con el arte.

Esa fue la suma de dinero que el taxista, ya jubilado, reclamó para que se destinara "al pago obligatorio y mensual" de licencias para ver la televisión en Reino Unido en hogares pobres y de pensionistas. Durante cuatro años, mientras enviaba notas a Scotland Yard y el caso era noticia en la prensa, Bunton ocultó el cuadro "en Newcastle, en el noreste de Inglaterra.

La devolvió anonimamente a las autoridades en 1965 y seis meses después confesó el delito, recuerda en declaraciones a Efe Sandy Nairne, director de la National Gallery. El robo del Goya supuso que el museo incorporara nuevas medidas de seguridad como "una patrulla nocturna con perro", detalla Nairne. Pero lo más importante es que generó la creación de la "Theft Act 1968", un acta que revisa una ley sobre robo y delitos similares en Inglaterra y Gales.

El taxista británico fue condenado por cuatro delitos relacionados con el robo a tres meses de prisión. Da la casualidad de que este robo coincide en la fecha con el de "La Mona Lisa" o "Gioconda", de Leonardo da Vinci, aunque les separan 50 años. Sobre la autoría del robo del célebre cuadro de da Vinci (1503-1505), el 21 de agosto de 1911, hay un gran número de teorías, pero Charney sostiene que fue el obrero Vicenzo Peruggia el único autor material e intelectual. Cuando llevaba unos meses trabajando en el Museo del Louvre haciendo urnas de cristal para proteger las obras de arte, Peruggia robó el cuadro por "orgullo nacionalista", dice Charney.

"Según nuevos informes psiquiátricos", el italiano, que era amigo del poeta francés Guillaume Apollinaire y del pintor español Pablo Picasso -que fueron investigados por su presunta relación con el delito-, explicó tras su arresto que creía que "La Mona Lisa" "había sido robada por Napoleón y debía de ser devuelta a Italia". "Su intención fue siempre robar la pintura y devolvérsela a Italia", subraya el experto.

Durante tres años, Peruggia tuvo oculta "La Mona Lisa" aunque estuvo expuesta, según Charney, el 14 de diciembre de 1913 en el museo Galleria degli Uffizi, en Florencia. El lienzo fue devuelto al Louvre el 4 de enero de 1914. Peruggia, que fue considerado un "héroe" por sus compatriotas, fue detenido en diciembre de 1913 y condenado en 1914 a 380 días de prisión; una sentencia que fue conmutada a siete meses, según expone Charney en su libro "The Thefts of the Mona Lisa" (Los robos de la Mona Lisa), publicado por ARCA este año.